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Mini-reseñas desde el FICM 2017

Estuvimos presentes como muchas otras personas en el FICM de este año, y te compartimos unas breves reseñas de las películas y documentales que vimos.

Una vez más nos lanzamos a Morelia para presenciar el FICM y a pesar de no haber visto la nueva película de Del Toro, The Shape of Water, disfrutamos de las demás películas que seguramente también disfrutarán cuando las proyecten a nivel nacional.

Este año, el Festival Internacional de Cine de Morelia apostó todo a la premier mundial de ‘Coco’ sobre la presencia de actores internacionales y homenajeados. Como cada edición, el programa se torna en una versión regional del Festival de Cannes, una selección de propuestas mexicanas de ficción, cortos y documentales y uno que otro estreno comercial.

Cabe destacar, que algunas de las películas serán proyectadas en la Ciudad de México en algunos complejos de Cinépolis y la Cineteca Nacional. Los boletos ya se encuentran disponibles en sus respectivas páginas web.

A continuación, una serie de mini-reseñas de películas vistas en el FICM 2017:

Coco: Admito preocupación ante la noción de que ‘Coco’ se convirtiese en el Taco Bell de las películas temáticas animadas. Lejos de una apropiación cultural o mera excusa para ornamentar fórmulas, esta funge como un homenaje que irradia amor en cada encuadre -amor por las tradiciones mexicanas y, en especial, por las familias.
Pixar merece toda admiración por tomar un enorme riesgo y hacer una carta de amor con cada detalle tan cuidado. ‘Coco’ es una extraordinaria película que captura perfectamente la cultura mexicana y entretiene al mismo tiempo que indaga en temas profundos sobre la familia, la pasión, el recuerdo y el duelo. Sin duda, es una de las grandes propuestas de este 2017.

Call Me By Your Name: Las películas de Luca Guadagnino son, fundamentalmente, fantasías europeas de verano. El paisaje idílico y calor, el erotismo de la intelectualidad burguesa y esos cuerpos esculturales… todos ellos forman parte de un romanticismo sin mesura ni remordimiento. ‘Call Me By Your Name’ ofrece todo esto aparte de una emotiva relación que evade clichés a todo momento. Armie Hammer y Timothée Chalamet brindan dos de las mejores actuaciones del año y su química es innegable. Celebrada en todo festival donde se ha presentado, ‘Call Me By Your Name’ es entrañable y conmovedora, aunque tampoco creo que sea la gran película que muchos aseguran. Aun así, hay mucho que celebrar aquí.

Wonderstruck: Todd Haynes es uno de los directores más interesantes en la actualidad, por lo que me sorprende mucho su interés en dirigir esta historia. No es que esta carezca de oportunidades para brindar un drama genuino pero la sensibilidad de Haynes no calibra con la de una película familiar tan cursi y es evidente, casi desde el inicio, que esta representa un error de juicio en su parte. En sí, la cinta se asemeja a un diorama de museo (bello pero estático) y la edición entrecruza dos historias con marcados paralelos -distinguidas estéticamente por un vibrante dorado en los setentas y blanco y negro en los veintes. La edición nunca permite conectar con alguna de sus historias y Haynes recurre a la sobreexposición de información en su clímax para conectar todo. Una decepción.

Good Time: Los hermanos Safdie se están convirtiendo en dos de las voces más potentes del cine independiente estadounidense. Con ‘Good Time’ crean un thriller que parece inspirado en el cine de los 70s -de autores como Sydney Lumet o William Friedkin- pero apoyado en una sensibilidad contemporánea y vertiginosa. La historia sigue a Connie, quien está pasando por el peor momento de su vida y quien desesperadamente trata de rescatar a su hermano de la policía. Connie está lejos de ser el héroe ya que ha dedicado su vida al crimen y a mentir, manipular y estafar a todo mundo a su alrededor. Es imposible hablar de esta película sin mencionar a Robert Pattinson, quien se transforma y brinda la mejor actuación de su carrera. ‘Good Time’ es, sin duda, una de las mejores películas del año.

The Square: Aunque ‘The Square’ fue la ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, esta es una cinta sin pies ni cabeza. La sátira del arte moderno es clara y resulta en secuencias simpáticas (una de mis favoritas es un discurso en la escalinata del museo y el movimiento de la muchedumbre burguesa) pero la historia sigue a un protagonista tan vacío como sus exposiciones, en circunstancias que no acaban de convencer. Las tuercas de la narrativa se activan con eventos banales como cuando le roban su celular y cartera y él decide rastrear al culpable hasta un edificio de departamentos, amenazando a todos los inquilinos con cartas. ‘The Square’ es una propuesta que parece saturar la pantalla de momentos incómodos o simplemente redundantes.

The Other Side of Hope: Aki Kaurismaki es un gran realizador -su humor seco y gentil y la bondad que irradia de su cubierta excéntrica dejan casi siempre una sonrisa en el espectador. Kaurismaki asegura que ‘The Other Side of Hope’ es su última película y si eso es cierto, esta es una gran obra que funge como secuela espiritual a la maravillosa ‘Le Havre’ del 2011. La premisa, de nuevo, se enfoca en un migrante, quien llega a Finlandia como refugiado y quien desesperadamente busca a su hermana. En paralelo, conocemos a un hombre mayor quien se separa de su esposa y abre un restaurante. El destino los juntara. ‘The Other Side of Hope’ es un drama muy dulce y una comedia sumamente divertida.

Loving Vincent: Vincent Van Gogh fue uno de los grandes pintores y su vida y muerte ha inspirado incontables historias. Todos conocemos acerca del incidente con su oreja, la relación con su hermano Theo, la vida de miseria y fracaso y, finalmente, su suicidio. ‘Loving Vincent’ no busca ser una ‘biopic’ convencional sino, más bien, se convierte en una especie de misterio a través de una perspectiva externa. Aunque la historia mantiene nuestro interés, lo más destacable de esta cinta es su animación que vívidamente emula sus cuadros en óleo (cabe destacar que, similar al “rotoscopeo” de ‘Waking Life’, más de 100 artistas pintaron cada cuadro de película a mano). Sin duda, es uno de los grandes triunfos visuales del 2017.

The Killing of a Sacred Deer: Yorgos Lanthimos no es un realizador interesado en retratar lo mejor de la humanidad. Hay un elemento cruel y nihilista cuya construcción busca asentarse en un momento de “shock value”, como la columna de un periódico amarillista. Desde el inicio, ‘The Killing of a Sacred Deer’ muestra a un realizador como titiritero y experto manipulador. Más que adentrarme a su diabólico juego de venganza, me vi reflexionando en como esta cinta parece un pastiche de Haneke, Pasolini y Kubrick. Una vez que la historia revela sus intenciones, ‘The Killing of a Sacred Deer’ se convierte en un repulsivo ejercicio de inevitabilidad. Después de ‘The Lobster’ (la cual considero una obra maestra y quizás sea una anomalía dentro de la filmografía de Lanthimos), esta cinta retoma la sensibilidad de ‘Dogtooth’, para bien o para mal.

Manifesto: Más “performance art” que cine, ‘Manifesto’ es un ejercicio que busca cuestionar los principios y modelos básicos del arte. También funge como un vehículo para Cate Blanchett, quien interpreta 12 roles y se dedica a hacer su mayor esfuerzo para hacer entretenidos sus monólogos. Sin embargo, esta se vuelve repetitiva y, por lo mismo, banal después de sus primeras secuencias. Quizás en una instalación de un museo de arte moderno esta genere mayor impacto, pero como película solo genera algunos bostezos y ligera curiosidad entre los más exquisitos en la audiencia.

Wonder Wheel: Me pregunto cuántos guiones tendrá Woody Allen en sus cajones. Sin falta, estrena una película al año y desde hace ya tiempo es claro ver como sus temáticas y personajes cambian de locaciones, pero permanecen en la misma fórmula. ‘Wonder Wheel’, por ejemplo, cuenta con una protagonista cuyo arco narrativo es sumamente similar al de Cate Blanchett en ‘Blue Jasmine’ con un estilizado y sobresaturado fondo que recuerda a ‘Café Society’. Aunque no por sus elementos similares, la cinta deja de contar con sus propios méritos. Kate Winslet da una estupenda actuación (que le brindará una nominación segura al Oscar) y el diseño de producción es impresionante. Esta es una obra menor de Allen que se hubiese beneficiado sin la narración de Justin Timberlake y si se hubiese sumergido más al melodrama de alguien como Tennessee Williams. Aun así, vale la pena.

Suburbicon: Me parece inconcebible que tanto talento haya producido ‘Suburbicon’. Los hermanos Coen en el guion, George Clooney en la dirección y actores como Matt Damon, Julianne Moore y Oscar Isaac como protagonistas. Debe de haber un error. Esta película es uno de los bodrios más inexplicables que he visto en un buen rato. Desde los abruptos cambios de tono (la cinta arranca como una comedia en los cincuentas, introduciendo el idílico suburbio y la llegada de una familia negra que pasa al fondo casi de inmediato) hasta las actuaciones artificiales que parecen pertenecer a una caricatura. El crimen que ocurre en ‘Suburbicon’ es una farsa virtualmente idéntica a ‘Fargo’ (claro, sin absolutamente nada de lo que convierte a ‘Fargo’ en una obra maestra). Una de las peores películas del año.

Happy End: A pesar de ser una obra menor, ‘Happy End’ (como prácticamente todo el cine de Michael Haneke) nos da de que hablar. Aquí contamos con una familia disfuncional que por sí mismos no ofrecen nada nuevo, pero en conjunto forman un mosaico de la burguesía moderna. Es aparente que el director busca crear un comentario acerca de la tecnología y la perversión de la comunicación y es aquí donde se tropieza un poco ya que las escenas de videos verticales, comentarios banales y conversaciones en Facebook se sienten aisladas del resto y no aportan mucho. Podría decir que el corazón de la cinta reside en una niña y su abuelo. ‘Happy End’ contiene una de las secuencias finales más memorables del año y una sorpresiva alusión a otra película del director. Esto hace que sea imperdible para todo fan.

Faces Places: Es imposible imaginar ‘Faces Places’ sin Agnes Varda. Su historia y legado aportan mucha riqueza a la historia, pero ella también brinda un soporte emocional y el perfecto contraste con el joven artista JR (cuyo proyecto fotográfico es emotivo y sumamente poderoso). Agnes es una fuerza de bondad pura y es un deleite pasar tiempo con ella, en este recorrido por la Francia rural. Este documental nos cautiva durante su duración entera y finalmente concluye con un encuentro con el mítico director Jean-Luc Godard en el que podemos estar de acuerdo con Agnes de que es una rata -aunque una rata genial.

Human Flow: La crisis de los refugiados anuncia no solo una epidemia de conflictos internos sino el mayor movimiento migratorio que ha vivido Europa desde la Segunda Guerra Mundial. También ha inspirado muchos documentales al respecto (como la nominada al Oscar ‘Fire at Sea’ o la brillante ‘Stranger in Paradise’). Ai Wei Wei busca ofrecernos el panorama completo al mostrarnos escenas de varias partes del mundo, pero su ojo nunca reconcilia la brutal realidad con una visión artística. Me extraña que su película no ofrezca la provocación trasgresora que ofrece la mayor parte de su arte. ‘Human Flow’ es excesivamente larga y repetitiva. Sin duda, hay muchos mejores documentales del tema.

An Inconvenient Sequel: Truth to Power: ‘An Inconvenient Truth’ se estrenó hace 11 años y representó una alerta al mundo sobre el cambio climático. En esencia, esa fue una versión fílmica de la presentación que Al Gore llevó por todo el mundo para concientizar de los efectos a corto y largo plazo del calentamiento global, debido a nuestro uso desmedido de recursos energéticos. Esta secuela no es solo una repetición con diapositivas actualizadas sino una muestra de las dificultades que ha enfrentado Gore en su cruzada a través de los años y lo complejo que es hacer que varios países firmen un acuerdo (mucho más complicado ahora que Trump es un presidente que afirma que el cambio climático no es una problemática relevante).

Los Ojos del Mar: Este documental nos transporta a una bella e idílica locación en Veracruz, pero nos presenta una historia muy triste. Hace algunos años, un grupo de pescadores desapareció en altamar y sus familias no pueden darle cierre a lo que representa la dolorosa pérdida de sus seres queridos. Mientras tanto, una mujer (con cierto sentido de responsabilidad) decide recuperar los testimonios y recuerdos de aquellos perdidos para devolverlos al mar. He aquí una cinta mexicana de gran pureza y reflexión.

Ava: Ava es una chica de 13 años que vive con su madre y hermana y quien descubre que está perdiendo la vista. Su madre decide convertir sus vacaciones en, supuestamente, las mejores para ambas, pero ella parece distraída con un hombre. Cuando conoce a un chico, Ava decide dejarlo todo. Siendo que esta es una película francesa, ‘Ava’ resulta en un “coming of age” bastante explícito en sus escenas de sexualidad, pero original e intrigante. De alguna manera, me pareció que haría una interesante función doble con ‘Call Me By Your Name’.

Let The Sunshine In: Juliette Binoche es una de las mejores actrices de su generación y a sus 53 años, una de las bellezas más radiantes de la pantalla grande. Aquí interpreta a una mujer sin suerte en el amor -ella mantiene una relación con un hombre adinerado que la maltrata y la tiene de amante, pero luego se enamora de otros hombres, incluyendo un artista y su exesposo con el que tiene una hija. La cinta la observa en su crisis, pero nunca se vuelve melodramática. ‘Let The Sunshine In’, dirigida por Claire Denis, es una cinta sumamente francesa (en estética y emociones) que brinda un memorable retrato de una mujer mayor.

Los Perros: Esta cinta nos presenta a una mujer adinerada que casi nadie aguanta. Está casada, pero muestra poco cariño a su marido, se la vive de compras sin saber mucho acerca del negocio de su familia y tiene la personalidad de una niña inmadura. Cada semana atiende clases de equitación y tiene una buena relación con su maestro hasta que descubre que él está siendo investigado por la policía. En su pasado era un coronel. Hay una intrigante historia en esta propuesta chilena pero la cinta siempre se queda en un nivel superficial. El coronel no se arrepiente de sus acciones y mientras existe un amorío, nunca surge el tipo de pasión que podría crear verdadero drama.

Demonios Tus Ojos: Ivana Baquero -a quien se le recuerda hace 10 años como la niña en ‘El Laberinto del Fauno’- es una mujer muy guapa y en ‘Demonios tus Ojos’ busca el rol adulto y sexy en un mediocre thriller erótico. La cinta nos introduce a Oliver, un director de cine que ve un video porno de su hermana y decide buscarla. La historia sugiere un personaje complejo, pero Oliver resalta como un patán hedonista que destruye todo a su camino, sin una clara motivación. Esta fracasa en brindarnos personajes con una psicología profunda y se convierte en un olvidable thriller sobre una relación pseudo-incestuosa.

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